Matin - 09h30/13h00
Après-midi - 14h30/18h00

Six jours consécutifs en présentiel (Paris 10^e)
Dates : 25, 26, 27, 30 septembre et 1er, 2 octobre 2024

 Six jours consécutifs qui consisteront à :

• Découvrir et/ou consolider les fondamentaux de la dramaturgie,
• Explorer la mouvante et complexe terminologie du métier,
• Partager ensemble des outils concrets,
• Expérimenter différentes méthodes d’approche d’un projet. Ouvrir, en quelque sorte, les portes de la cuisine du scénariste,
• S’entendre sur une grammaire commune,
• Commencer à tester les prémisses de son propre projet (pitch, intentions, genre…)

Nous nous appuierons pour cela sur des exemples concrets et précis : analyses d’extraits de films, scénarios à divers stades de développement, dossiers de présentation (production, écriture), ainsi que de nombreux exercices collectifs pour stimuler la créativité.

10 jours d’ateliers d’écriture

Dates : samedi 19/10 (Zoom)
samedi 09/11 (Zoom)
samedi 07/12 (présentiel)
samedi 18/01 (Zoom)
samedi 08/02 (Zoom)
samedi 15/03 (présentiel)
samedi 05/04 (Zoom)
vendredi 6 et samedi 7/06 (présentiels)
samedi 05/07 (présentiel)

La phase du développement du projet personnel peut commencer, phase qui aura pour objectif de consolider les fondamentaux acquis précédemment (première partie), et ce, par une mise en pratique très concrète sur les projets de chacun.e.

Trois « principes » que nous souhaitons mettre en avant :

• Appréhender le travail d’écriture comme un travail certes personnel, intime et souvent solitaire, mais aussi « collaboratif » — à contre-courant de l’image d’Epinal du scénariste seul dans sa mansarde… Le collectif permettant notamment d’apporter un contre-point à la subjectivité de la formatrice, qui encadrera l’atelier en s’appuyant à la fois sur son expérience professionnelle de consultante, mais aussi sur cette dynamique de retours collectifs sur les projets. Cet aspect nous parait important, dans un secteur professionnel où l’on est amenés, tout au long du processus de développement, à interagir avec de nombreux interlocuteurs — co-auteurs, producteurs, consultants, commissions, diffuseurs, réalisateurs…

• Il s’agira, aussi, d’appréhender le travail d’écriture comme un processus complexe et pas toujours « linéaire ». Le plus souvent circulaire, même… La méthode d’accompagnement et les outils proposés ici sont donc à appréhender plutôt comme une boîte à outils de « réécriture » et de ré-organisation du travail. En aucun cas comme des méthodes, « recettes » ou modèles qu’il s’agirait d’appliquer, étape après étape. Chaque projet sera envisagé comme un prototype, avec son propre rythme, ses atouts, ses fulgurances et ses difficultés…

• Dans une première phase de travail, l’idée est de rester au maximum intuitif, chaotique, voire désorganisé. Apprendre à être désorienté. Suivre le fil de son désir, affirmer son point de vue d’auteur. Trouver un ton, une voix. Tester des pistes. Quitte à les remettre en question… Cette souplesse dans le travail d’écriture et cette capacité à « réécrire » instinctivement à partir d’une intention claire nous parait indispensable pour bien maîtriser son sujet, poser une prémisse solide. Afin de pouvoir échafauder, ensuite, une structure solide et organique de son récit.

Nos séances du samedi s’ouvriront par un tour de table collectif et des exercices pratiques sur chacun de ces outils, suivis de RDV individuels sur les projets de chacun.e.

LES NOTIONS ABORDEES

Lors de la première partie sur les fondamentaux de la dramaturgie, nous aborderons en détail les notions théoriques décrites ci-dessous.
Notions sur lesquelles nous reviendrons tout au long des 9 mois de développement, en les expérimentant directement sur les projets des auteurs.trices.

1. Les FONDATIONS, le magma, le travail préparatoire, les recherches, la documentation, les jeux, les notes, l’accumulation des idées, l’inspiration : la « pré-écriture ». La partie du processus la plus délicate et la plus mystérieuse, mais aussi la plus importante.

2. L’intention, le sens, le THEME, le TON, l’ADN du projet, le désir d’auteur : bien se connaitre en tant qu’auteur, trouver sa voix, son style.

3. La question du GENRE comme code dramatique : apprendre à « cartographier » son projet dès les prémisses — ce qui permet un gain de temps précieux pour la suite. Mythes, sources, contes, figures originelles et archétypales de la narration.

4. L’objet « scénario » (objet transitionnel, problématique, destiné à être oublié, jeté dans la corbeille) et les différentes étapes du travail de scénariste : trouver sa méthode à soi plutôt qu’essayer d’appliquer les principes d’un tel ou un tel.

5. Les personnages : back-story, caractérisation, arches, réseau de personnages, spectre, ghost, conflit interne, fonctions (alliés, adversaires, mentor, faux allié…), archétypes, les différentes structures psychiques, l’identité, la peur, l’espoir, le rêve, la transformation, l’enjeu, la question du dilemme, la tension entre objectif/désir/besoin…

6. Les notions fondamentales d’OBJECTIF-OBSTACLE-CONFLIT-ENJEUX : la chaine de base du DRAMA

7. Les différentes STRUCTURES-types d’un récit (3 actes/5 actes/ 22 points/7 ou 15 étapes…) : Aristote, Truby, McKee, Vogler, Blake Snyder, Lavandier : pour chacun des théoriciens, une terminologie, une approche et une structure de pensée différentes. Points communs, divergences d’approches.

8. La « mécanique » du scénario et la participation du spectateur : les outils de dramatisation, gestion/rétention des informations, l’ironie dramatique, les principaux procédés (suspense, surprise, mystère, spectaculaire…), la voix off, le hors-champ, la loi de la progression et du crescendo continu, le mensonge, la distillation des informations, pay in/pay off… Inventer des questions auxquelles nous avons déjà les réponses… Apprendre à « orchestrer » le questionnement du spectateur.

9. L’HISTOIRE et le RECIT : deux étapes différentes. Comment passer d’une histoire à un RECIT ? Ou l’art de la narration.

10. Le schéma narratif fondamental : situation initiale, incident déclencheur, nœuds dramatiques, climax, situation finale.

11. L’universel et le singulier. Récit émergé, récit immergé. La profondeur thématique. L’idée qu’il y a toujours un film derrière le film. Un thème (universel) et un point de vue (personnel) sur un sujet singulier. Ou comment l’auteur d’un récit apporte une réponse singulière (message, débat, problème à résoudre, colère, question ouverte…) à une problématique/thématique universelle — partagée par le plus grand nombre. La thématique envisagée comme le moyen d’une connexion profonde avec une histoire pour qu’elle laisse une trace, une empreinte forte en nous.

12. La gestion du TEMPS et du rythme dans le récit (illusion du temps réel, compression, dilatation, ellipses, flash-back, montages parallèles, temps forts, temps faibles…). La gestion de l’ESPACE.

13. L’écriture de la scène et des DIALOGUES, la question de l’incarnation. Une bonne scène dialoguée ne véhicule pas seulement de l’information, mais aussi de la caractérisation, du thème, du sous-texte, du non- dit.. Comment créer les « trous narratifs » ? Pourquoi faut-il dialoguer en dernier ? Mais parfois, aussi, en premier ? Le travail d’écriture n’étant pas, comme nous l’avons vu, linéaire mais circulaire. Tordre le cou aux idées reçues, expérimenter : c’est aussi, parfois, en dialoguant des scènes-clés que l’on trouve la bonne structure, le ton, les personnages…

14. Point rapide sur les écritures spécifiques et les différents formats (docu-fiction, séries, CM, animation…) Est-on sûr d’ailleurs d’écrire pour le bon format ? Parfois, on est persuadés que l’on veut écrire un film alors qu’on est en train de faire une série, un livre, ou l’inverse… Quelles sont les spécificités de l’écriture d’un « unitaire » ?

15. Le métier de scénariste, les pièges à éviter : les relations auteurs/réal/prod/diff… Les différents guichets (CNC; etc.) Les collectifs d’auteurs, bourses, résidences, les sites ressources…

16. Les documents du scénariste : PITCH, INTENTION, SYNOPSIS, SEQUENCIER, TRAITEMENT, CONTINUITE DIALOGUEE, SCENE à SCENE… Les exigences du marché requièrent la plupart du temps, pour aller chercher des financements, la des documents dans un ordre précis (du plus petit au plus grand) mais qui sont aussi, souvent, étrangement contre-intuitifs par rapport aux étapes naturelles du scénariste. Comme un monteur, un glaneur, le scénariste aura parfois tendance à « errer », chercher, accumuler de la matière, à aller du plus grand (les rushes) vers le plus petit (la bande-annonce). Il faudra donc apprendre à « nager contre-courant » des exigences du marché, tout en acceptant les règles du jeu et les échéanciers d’écriture. Comment faire ?

17. L’écriture comme premier geste de mise en scène : écrire VISUEL, écrire pour l’IMAGE et le SON. Le scénario envisagé comme une écriture « anti-littéraire ». Se méfier des effets de style. Des pensées intérieures, de l’abstraction. Rester au plus proche de l’art du CONTE.

18. Les outils d’évaluation d’un scénario : fiches de lecture, retours de commission > Savoir identifier rapidement les problèmes sur un scénario : diagnostic/prescription/axes de réécriture. Etre capable de proposer ses propres pistes de réécriture et d’établir un auto-diagnostic de son projet…